{"title":"BOX SETS","description":"","products":[{"product_id":"the-complete-jean-vigo","title":"The Complete Jean Vigo","description":"\u003cp\u003eIncluso entre las leyendas del cine, Jean Vigo se destaca. Hijo de un anarquista notorio, Vigo tuvo una carrera breve pero brillante haciendo películas poéticas y ligeramente surrealistas antes de que su vida fuera truncada trágicamente por la tuberculosis a los veintinueve años. Al igual que las audaces obras tempranas de sus contemporáneos Jean Cocteau y Luis Buñuel, las películas de Vigo se negaron a seguir las reglas. Este conjunto incluye todos los títulos de Vigo: À propos de Nice, una rebanada absurda y rítmica de la vida en la bulliciosa ciudad costera; Taris, un retrato corto e inventivo de un campeón de natación; Zéro de conduite, un cuento radical y encantador de rebelión en un internado que ha influenciado a innumerables cineastas; y L'Atalante, ampliamente considerada como uno de los mayores logros del cine, sobre recién casados que comienzan su vida juntos en una barcaza de canal. Estas son las obras ingeniosas y visualmente aventureras de un artista cinematográfico fundamental.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e51.1 À propos de Nice \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1930 · 23 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.33:1\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJean Vigo tenía veinticinco años cuando hizo esta, su primera película, un poema cinematográfico silente que revela, a través de un emocionante e irónico uso del montaje, la realidad económica oculta detrás de la fachada de la ciudad balneario mediterránea de Niza. El primero de varios colaboraciones de Vigo con el director de fotografía Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov y futuro ganador del Oscar), À propos de Nice es tanto una mirada mordaz como estimulante a la cultura Franciasa de 1930.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e51.2 Zéro de conduite \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1933 · 44 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.19:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTan efervescente y encantadora que uno puede olvidar fácilmente su importancia en la historia del cine, el influyente retrato de Jean Vigo de estudiantes bromistas en un internado es uno de los grandes actos de rebeldía del cine. Basada en las propias experiencias del director en su juventud, Zéro de conduite presenta la infancia como un tiempo de imaginación desbordante y desafío descarado a las reglas. Es una visión dulce de sabotaje hecha vívida por experimentos visuales dinámicos, incluida la famosa y dichosa pelea de almohadas en cámara lenta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e51.3 L’Atalante \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1934 · 89 minutos \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003eBlanco \u0026amp; Negro · 1.33:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn manos de Jean Vigo, una humilde historia de amor conyugal se convierte en un agridulce ensueño romántico de deseo y esperanza. Jean (Jean Dasté), un capitán de barcaza, se casa con Juliette (Dita Parlo), una inocente campesina, y ambos suben a bordo del barco de Jean, el L'Atalante, poblado por un primer oficial terrenal (Michel Simon) y una multitud de gatos desaliñados, y emprenden juntos su nueva vida. Tanto un idilio sorprendentemente erótico como una meditación lúcida sobre el amor, L'Atalante, la única obra de largometraje de Vigo, es una película como ninguna otra.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eNuevas restauraciones digitales en alta definición de los cuatro largometrajes de Jean Vigo, con bandas sonoras monoaurales sin compresión en la edición en Blu-ray\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eComentarios de audio con Michael Temple, autor de \u003cem\u003eJean Vigo\u003c\/em\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePartitura para \u003cem\u003eÀ propos de Nice\u003c\/em\u003e de Marc Perrone, de 2001\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMontajes alternativos de \u003cem\u003eÀ propos de Nice\u003c\/em\u003e, con metraje eliminado por Vigo\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEpisodio de la serie de televisión francesa \u003cem\u003eCinéastes de notre temps\u003c\/em\u003e sobre Vigo, de 1964\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eConversación de 1968 entre los cineastas François Truffaut y Eric Rohmer sobre \u003cem\u003eL'Atalante\u003c\/em\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eHomenaje animado a Vigo del cineasta Michel Gondry\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cem\u003eLos viajes de «L'Atalante»\u003c\/em\u003e, documental de 2001 del restaurador de cine e historiador Bernard Eisenschitz sobre la historia de la película\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eVideoentrevista de 2001 con el director Otar Iosseliani sobre Vigo\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTraducciones de subtítulos al inglés nuevas y mejoradas\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMÁS: Nuevos ensayos de los críticos Michael Almereyda, Robert Polito, B. Kite y Lucy Sante\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva portada de Jason Hardy\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"Jean Vigo","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055764369542,"sku":"CRT-031-THECOM","price":549.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/51.TheCompleteJeanVigo.jpg?v=1781316975"},{"product_id":"the-complete-jacques-tati","title":"The Complete Jacques Tati","description":"\u003cp\u003eAunque solo hizo un puñado de películas, el director, escritor y actor Jacques Tati está entre los genios cinematográficos más queridos. Con experiencia en el music hall y la pantomima, Tati construyó de manera constante una carrera cinematográfica cada vez más ambiciosa que finalmente elevó la comedia de gags visuales al nivel de arte elevado. En el personaje sustituto del dulce y torpe Monsieur Hulot, eternamente llevando un paraguas y fumando en pipa, Tati inventó un encantador símbolo de la humanidad perdida en una era moderna y modernizadora implacable. Este conjunto reúne sus seis hilarantes largometrajes: Jour de fête, Las vacaciones del señor Hulot, Mi tío, Playtime, Tráfico y Parada, junto con siete deliciosos cortometrajes relacionados con Tati.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.1 Jour de fête \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn su encantadora primera película, Jacques Tati protagoniza como un cartero meticuloso que se ve desconcertado cuando una feria ambulante llega a su pueblo. Incluso en esta obra temprana, Tati jugaba brillantemente con los dispositivos (gags visuales silenciosos, efectos de sonido mínimos pero hábilmente utilizados) y exploraba el tema (la absurdidad de nuestra creciente dependencia de la tecnología) que definiría su cine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1949 · 86 minutos \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003eBlanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 2K, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eDos versiones alternativas de la película: la reedición de 1964 del director Jacques Tati, con objetos coloreados a mano y material recién incorporado, y el relanzamiento completo en color de 1995, completado a partir de los negativos originales en color de Tati.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"À l’américaine\", un ensayo visual de 2013 del experto en Tati Stéphane Goudet que rastrea la evolución de la comedia de Tati.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Jour de fête: En busca del color perdido\", un documental de 1988 sobre la restauración de la película a la visión original en color de Tati.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTráiler.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.2 Monsieur Hulot’s Holiday \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMonsieur Hulot, el entrañable payaso de Jacques Tati, se toma unas vacaciones en un balneario junto al mar, donde su presencia provoca una catástrofe tras otra. La obra maestra de Tati de slapstick suave es una serie de gags visuales perfectamente coreografiados que involucran perros, botes y petardos; fue la primera entrega de la serie Hulot y la película que lanzó a su creador al estrellato internacional.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1953 · 87 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 2K de la versión de relanzamiento de 1978 del director Jacques Tati, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003cspan class=\"s1\"\u003e• \u003c\/span\u003eVersión original de la película de 1953.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eIntroducción del actor y comediante Terry Jones.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Cielo Despejado, Brisa Ligera\", un ensayo visual de 2013 del experto en Tati, Stéphane Goudet, sobre el debut de Monsieur Hulot.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevista con Tati de un episodio de 1978 del programa de televisión francés Ciné regards.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva entrevista con el compositor de cine y crítico Michel Chion sobre el uso de Tati del diseño de sonido.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eBanda sonora opcional en inglés para la versión de relanzamiento.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.3 Mon Oncle \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl slapstick prevalece una vez más cuando el excéntrico y anticuado héroe de Jacques Tati, Monsieur Hulot, es liberado en Villa Arpel, el hogar geométrico y opresivamente ultramoderno de su cuñado, y en la fábrica de mangueras de plástico aséptico donde consigue un trabajo. La segunda película de Hulot y la primera película en color de Tati, Mi tío es una sátira supremamente divertida de la vida mecanizada y la sociedad de consumo que le valió al director el Premio de la Academia a la mejor película en lengua extranjera.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1958 · 116 minutos · Color · 1.33:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 2K, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eIntroducción del actor y comediante Terry Jones.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"My Uncle\", la versión reeditada en inglés de 1958 del director Jacques Tati.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eÉrase una vez... \"Mi tío\", un documental de una hora de duración de 2008 sobre la realización de la película.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Todo es hermoso\", un programa de tres partes de 2005 sobre la moda, la arquitectura y el diseño de muebles de la película.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Todo está conectado\", un ensayo visual de 2013 del experto en Tati, Stéphane Goudet, comparando Mi tío con las otras películas de Monsieur Hulot.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Le Hasard de Jacques Tati\", un episodio de televisión francés de 1977 que presenta una entrevista con Tati sobre su perro, Hasard, y las estrellas caninas de Mon oncle.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.4 PlayTime \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLas gloriosamente coreografiadas comedias casi mudas de Jacques Tati sobre la confusión en una era de alta tecnología alcanzaron su apoteosis con PlayTime. Para este monumental logro, una producción casi tres años de duración y costosa, Tati nuevamente sumergió al entrañablemente anticuado Monsieur Hulot, junto con una serie de otras almas perdidas, en un desconcertante mundo moderno, esta vez París. Con cada centímetro de su pantalla súper ancha repleto de hilaridad e inventiva, PlayTime es un registro duradero de una era moderna que coquetea con el borde del olvido.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eItalia , Francia · 1967 · 124 minutos · Color · 1.78:1 · Inglés, Alemán, Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 4K, con banda sonora envolvente 3.0 DTS-HD Master Audio en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eIntroducción del actor y comediante Terry Jones.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTres comentarios seleccionados de escenas, por el historiador de cine Philip Kemp, el director de teatro Jérôme Deschamps y el experto en Jacques Tati Stéphane Goudet.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Como en Casa\", un ensayo visual de 2013 sobre PlayTime por Goudet.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Tativille\", un episodio de 1967 del programa de televisión británico Tempo International, que presenta una entrevista con Tati desde el set de PlayTime.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Más allá de 'PlayTime'\", un corto documental de 2002 con imágenes detrás de escena de la producción.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevista de 2006 con la supervisora de guion Sylvette Baudrot.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevista de audio con Tati desde el estreno en Estados Unidos de PlayTime en el Festival de Cine de San Francisco de 1972.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eBanda sonora alternativa en inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.5 Trafic \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn \"Trafic\" de Jacques Tati, el torpe Monsieur Hulot, vestido como siempre con su gabardina beige, sombrero marrón desgastado y paraguas, se aventura por las autopistas y calles de París. En esta, su última salida, Hulot es empleado como director de diseño de una empresa automotriz y acompaña su nuevo producto (un \"camping car\" equipado con aparatos absurdos) a una feria de automóviles en Ámsterdam. Naturalmente, el camino hacia allí está lleno de contratiempos de la era moderna. Esta delicia de fin de carrera es una demostración magistral del tiempo experto del genio cómico y su habilidad para los gags visuales, y una última mirada divertida a la tecnología descontrolada.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1971 · 97 minutos · Color · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 2K, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Jacques Tati en El Trabajo de Monsieur Hulot\", un episodio de 1976 del programa de televisión británico Omnibus que presenta una entrevista con Tati sobre sus películas de Hulot.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTráiler.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4.6 Parade \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePara su última película, Jacques Tati lleva su cámara al circo, donde el director mismo actúa como maestro de ceremonias. Aunque presenta muchos espectáculos, incluyendo payasos, malabaristas, acróbatas, contorsionistas y más, Parade también se centra en los espectadores, convirtiendo este trabajo simplificado en un testimonio de la comunión entre el público y el entretenimiento. Creada para la televisión sueca (con el legendario director de fotografía de Ingmar Bergman, Gunnar Fischer, como uno de sus cinematógrafos), Parade es una conmovedora despedida de carrera que recuerda los orígenes de su creador como mimo y actor de teatro.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1974 · 89 minutos · Color · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 2K, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Siguiendo los pasos de Monsieur Hulot\", un documental en dos partes de 1989 dirigido por la hija de Jacques Tati, Sophie Tatischeff.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"En el Ring\", un ensayo visual de 2013 por el experto en Tati, Stéphane Goudet, sobre la apreciación de Tati por el circo, los payasos y el mimo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Un Homenaje a Jacques Tati\", un episodio de 1982 del programa de televisión francés Magazine que presenta un homenaje a Tati por parte de su amigo y diseñador de escenografía, Jacques LaGrange.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva traducción de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Jacques Tati","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778197638,"sku":"CRT-119-THECOM","price":1499.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/4.-TheCompleteJacquesTati.jpg?v=1781121142"},{"product_id":"the-apu-trilogy","title":"The Apu Trilogy","description":"\u003cp\u003eUn hito impresionante que llevó a India a la era dorada del cine internacional de autor, la Trilogía de Apu de Satyajit Ray sigue a un personaje indeleble, un niño de espíritu libre en la Bengala rural que madura hasta convertirse en un estudiante adolescente urbano y, finalmente, en un hombre sensible del mundo. Las delicadas obras maestras de Ray -Pather Panchali (Canción del camino pequeño), Aparajito (El invencible) y Apur Sansar (El mundo de Apu)- basadas en dos libros de Bibhutibhusan Banerjee, fueron filmadas a lo largo de cinco años, y cada una se destaca por sí misma como un viaje tierno y visualmente radiante. Estas películas -que han resurgido de las cenizas en restauraciones meticulosamente reconstruidas, después de que los negativos originales fueran quemados en un incendio- están entre las películas más bellas y humanas jamás realizadas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eRestauraciones digitales en 4K de las tres películas, realizadas en colaboración con el Archivo de Cine de la Academia en la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y L’Immagine Ritrovata, con bandas sonoras monaurales sin comprimir en las ediciones 4K UHD y Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEn la edición 4K UHD: Tres discos 4K UHD de las películas y tres Blu-rays con las películas y características especiales.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eGrabaciones de audio de 1958 del director Satyajit Ray leyendo su ensayo \"A Long Time on the Little Road\" y conversando con el historiador de cine Gideon Bachmann.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevistas con los actores Soumitra Chatterjee, Shampa Srivastava y Sharmila Tagore; asistente de cámara Soumendu Roy; y escritor de cine Ujjal Chakraborty.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMaking \"The Apu Trilogy\": Satyajit Ray's Epic Debut, un ensayo en video del biógrafo de Ray, Andrew Robinson.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"The Apu Trilogy\": A Closer Look, un programa con el cineasta, productor y profesor Mamoun Hassan.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eFragmentos del documental de 2003 The Song of the Little Road, con el compositor Ravi Shankar.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eThe Creative Person: \"Satyajit Ray\", un cortometraje documental de 1967 dirigido por James Beveridge, con entrevistas a Ray, varios de sus actores, miembros de su equipo creativo y el crítico de cine Chidananda Das Gupta.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMaterial de archivo de Ray recibiendo un Oscar honorario en 1992.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eProgramas sobre las restauraciones del cineasta Kogonada.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Ensayos de los críticos Terrence Rafferty y Girish Shambu, así como una selección de bocetos de Ray para Pather Panchali.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003ePortada de F. Ron Miller.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e5.1 Pather Panchali \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCon el estreno en 1955 del debut de Satyajit Ray, Pather Panchali, una voz cinematográfica elocuente e importante se hizo escuchar en todo el mundo. Una representación de la vida rural bengalí en un estilo inspirado en el neorrealismo Italiano, esta evocación naturalista pero poética de varios años en la vida de una familia nos presenta tanto al pequeño Apu como, igualmente importante, a las mujeres que lo ayudarán a moldearse: su independiente hermana mayor, Durga; su madre angustiada, Sarbajaya, que, con su esposo ausente, debe mantener unida a la familia; y su amable y traviesa \"tía\" anciana, Indir, todos personajes vivos y multifacéticos. Con una fotografía resplandeciente informada por el perpetuo sentido de descubrimiento de su joven protagonista, Pather Panchali, que ganó un premio al Mejor Documento Humano en el Festival de Cine de Cannes, es una experiencia cinematográfica inmersiva y una película de poder elemental.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eIndia · 1955 · 125 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003eBengali\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e5.2 Aparajito \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSatyajit Ray no había planeado hacer una secuela de Pather Panchali, pero después del éxito internacional de la película, decidió continuar la narrativa de Apu. Aparajito retoma donde deja la primera película, con Apu y su familia habiéndose mudado del campo para vivir en la bulliciosa ciudad santa de Varanasi (entonces conocida como Benarés). A medida que Apu avanza de niño ingenuo a adolescente intelectualmente curioso, eventualmente estudiando en Kolkata, presenciamos su educación académica y moral, así como la creciente complejidad de su relación con su madre. Esta película tiernamente expresiva, a menudo desgarradora, que ganó tres premios principales en el Festival de Cine de Venecia, incluido el León de Oro, no solo extiende sino que también profundiza espiritualmente el relato de Apu.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eIndia · 1956 · 110 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· Bengali\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e5.3 Apur Sansar \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePara cuando se estrenó Apur Sansar, Satyajit Ray no solo había dirigido las dos primeras películas de Apu, sino también la obra maestra The Music Room, y estaba en camino de convertirse en una leyenda. Este extraordinario capítulo final lleva el viaje de nuestro protagonista a su conclusión completa. Apu ahora está en sus primeros veinte años, fuera de la universidad y esperando vivir como escritor. Junto con sus ambiciones profesionales, la película narra su despertar romántico, que ocurre como resultado de un giro de eventos muy improbable, y su eventual y tensa paternidad. Con las actuaciones de Soumitra Chatterjee y Sharmila Tagore, quienes pronto se convertirían en habituales de Ray, y demostrando las habilidades cada vez más impresionantes de Ray como creador de imágenes puramente cinematográficas, Apur Sansar es una conclusión conmovedora de esta monumental trilogía.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eIndia · 1959 · 106 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· Bengali\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Satyajit Ray","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778230406,"sku":"CRT-120-THEAPU","price":1300.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/5.-TheApuTrilogy.jpg?v=1781120465"},{"product_id":"chantal-akerman-masterpieces-19681978","title":"Chantal Akerman Masterpieces, 1968–1978","description":"\u003cp\u003eEn la revolucionaria primera década de su carrera cinematográfica, Chantal Akerman se dedicó a nada menos que al total resculpting del tiempo y el espacio cinematográficos. Viajando entre Europa y la ciudad de Nueva York, Akerman forjó un estilo altamente personal que fusiona influencias vanguardistas con expresiones profundamente humanas de alienación, deseo y desplazamiento, temas que exploraría en una serie de cortometrajes, documentales y largometrajes cada vez más ambiciosos, incluida la imponente Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles. Con ritmos inmersivos que convierten los detalles más mínimos en trascendentales, estos hitos del arte del siglo XX continúan revelando nuevas formas de experimentar el cine y enmarcar la realidad.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCaracterísticas especiales: \u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital en 4K de Les rendez-vous d’Anna y restauraciones digitales en 2K de Saute ma ville; L’enfant aimé ou Je joue à être une femme mariée; La chambre; Hotel Monterey; Le 15\/8; Je tu il elle; Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles; y News from Home, con bandas sonoras monaurales sin comprimir\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eHanging Out Yonkers, una película inconclusa de 1973 dirigida por Chantal Akerman\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003ePruebas de la escuela de cine realizadas por Akerman\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevo programa sobre Akerman presentado por la crítica B. Ruby Rich\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevo ensayo visual sobre Akerman con entrevistas de archivo\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eAutour de “Jeanne Dielman,” un documental realizado durante el rodaje de Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles, filmado por el actor Sami Frey y editado por Agnès Ravez y Akerman\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevistas con Akerman, la directora de fotografía Babette Mangolte, las actrices Aurore Clément y Delphine Seyrig, y la madre de Akerman, Natalia Apreciación del cineasta Ira Sachs\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un ensayo y notas sobre las películas de la crítica Beatrice Loayza\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva portada por Century\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.1 Saute ma ville \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eHecho cuando la directora tenía apenas dieciocho años, la película debut de Chantal Akerman es una primera expresión ardiente de lo que se convertiría en uno de sus principales temas: el confinamiento y la rebelión de las mujeres contra el ámbito doméstico. Akerman interpreta a una joven que, sola en su cocina, lleva a cabo una\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003edespiadada demolición de los rituales domésticos tradicionales que conduce a un clímax literalmente explosivo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eBélgica · 1968 · 13 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.66:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.2 L’enfant aimé ou Je joue à être une femme mariée \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUna de las obras menos conocidas de Chantal Akerman es un retrato íntimo de una joven madre (interpretada por Claire Wauthion) cuyas rutinas diarias se entrecortan con sus rumiaciones de flujo de conciencia sobre su familia, vida sexual, relaciones y cuerpo. Aunque Akerman (quien también aparece en la película) luego desestimó su segundo esfuerzo como directora, su enfoque paciente en la tensión entre la domesticidad y la vida interior de una mujer marca a L’enfant aimé como un eslabón importante en el desarrollo de su artística.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eBélgica · 1971 · 32 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.3 La chambre \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl diálogo de Chantal Akerman con el movimiento vanguardista del cine estructural de la década de 1960 comienza aquí, con la primera película que realizó en la ciudad de Nueva York, un avance en sus experimentos con la deformación del tiempo y el espacio cinematográficos. Mientras la cámara completa una serie de paneos circulares alrededor de un pequeño apartamento, el mobiliario interior, su desorden y la propia cineasta, mirándonos desde la cama, se convierten en los sujetos de una conmovedora naturaleza muerta en movimiento.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos, Bélgica · 1972 · 11 minutos · Color · 1.37:1\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.4 Hotel Monterrey \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBajo la atenta mirada de Chantal Akerman, un hotel barato de Manhattan brilla con misterio y belleza inesperada, sus pasillos, ascensores, habitaciones, ventanas y ocupantes ocasionales enmarcados como tableaux de Edward Hopper. Filmada durante quince horas, desde la tarde hasta el amanecer, con la cámara cuidadosamente controlada de la cinematógrafa y colaboradora frecuente Babette Mangolte que gradualmente se abre camino desde el vestíbulo iluminado por lámparas hasta la azotea con vistas a una ciudad despertando, este radical experimento silencioso en la duración se erige como uno de los logros formales más impactantes de Akerman, colapsando el tiempo y cargando el espacio cotidiano que observa con una irrealidad inquietante.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1972 · 62 minutos · Color · 1.37:1\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.5 Le 15\/8 \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDirigida por Chantal Akerman y Samy Szlingerbaum, esta variación silenciosa y reveladora de los temas recurrentes de la cineasta sobre la desubicación y la alienación se desarrolla en un día, el 15 de agosto de 1973, en un apartamento de París, donde la expatriada finlandesa Chris Myllykoski se abre a la cámara sobre sus ansiedades e incertidumbres, sus aspiraciones y aburrimiento, y el sentido de vulnerabilidad que siente al ser una mujer sola en un país desconocido. Mientras la narración en off de Myllykoski cambia entre lo mundano y lo reflexivo, la observadora cámara de Akerman permanece atenta a los pequeños gestos que cuentan una historia por sí mismos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eBélgica, Francia · 1973 · 43 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.33:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.6 Je tu il elle \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa primera película narrativa de Chantal Akerman es una exploración sorprendentemente vulnerable de la alienación y la búsqueda de conexión. En una actuación a la vez audazmente expuesta y enigmática, Akerman interpreta a una joven que, después de un largo exilio autoimpuesto, se aventura en el mundo, donde tiene dos experiencias muy diferentes de intimidad: primero con un camionero (Niels Arestrup) que la recoge, y luego con una ex-amante (Claire Wauthion). Culminando en un audaz encuentro carnal en tiempo real que llevó la sexualidad lésbica a la pantalla con una franqueza nueva, \"Je tu il elle\" encuentra a Akerman utilizando su minimalismo radical con una precisión emocional y psicológica recién descubierta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eBélgica, Francia · 1975 · 86 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.7 Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\"Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles\" de Chantal Akerman es una obra singular en la historia del cine, que detalla meticulosamente, con un sentido de inminente fatalidad, la rutina diaria de una viuda de mediana edad, cuyas tareas incluyen hacer las camas, cocinar la cena para su hijo y ocasionalmente ejercer la prostitución. En su enorme austeridad, la película de Akerman parece simple, pero abarca todo un mundo. Ya sea vista como un estudio de personaje exigente o como una de las representaciones más hipnóticas y completas del espacio y el tiempo en el cine, \"Jeanne Dielman\" es un experimento cinematográfico sorprendente y cautivador, que ha sido analizado y discutido durante décadas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia, Bélgica · 1975 · 201 minutos · Color · 1.66:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.8 News from Home \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDespués de vivir en Nueva York a principios de la década de 1970, Chantal Akerman regresó a la ciudad para crear una de sus meditaciones más elegantes, minimalistas y profundamente conmovedoras sobre la desubicación y el distanciamiento. A lo largo de una serie de planos exactamente compuestos de Manhattan circa 1976, la cineasta lee cartas enviadas por su madre años atrás. La yuxtaposición entre la intimidad de estos informes domésticos y los solitarios y sombríamente bellos paisajes urbanos resulta en una reflexión conmovedora sobre la desconexión personal y familiar que a la vez funciona como un hipnotizante cápsula del tiempo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia, Estados Unidos · 1976 · 89 minutos · Color · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6.9 Les rendez-vous d’Anna \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa continuación narrativa de Chantal Akerman después de su avance internacional, Jeanne Dielman, es un penetrante retrato de la melancolía del alma de una mujer y una odisea fascinante a través de una Europa embrujada. Mientras está de gira por Alemania, Bélgica y Francia para promocionar su última película, Anna (Aurore Clément), una realizadora consumada, atraviesa una serie de encuentros breves, inquietantes y exquisitamente filmados, con hombres y mujeres, familiares y desconocidos, que revelan gradualmente su desconexión emocional y física del mundo. Reflejando las propias erráticas peregrinaciones de Akerman, este cuasi autorretrato viaja a través de una sucesión de espacios liminales: habitaciones de hotel, estaciones de tren, vagones, hacia un encuentro indeleble con el espectro de la historia.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eBélgica, Alemania, Francia · 1978 · 127 minutos · Color · 1.66:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Chantal Akerman","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778328710,"sku":"CRT-121-CHANTA","price":1299.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/6.-ChantalAkermanMasterpieces_1968_1978.jpg?v=1781120234"},{"product_id":"john-cassavetes-five-films","title":"John Cassavetes: Five Films","description":"\u003cp\u003eJohn Cassavetes fue un genio, un visionario y el precursor del cine independiente estadounidense, pero eso no comienza a captar la generosidad de su arte. Un antiguo actor de teatro fascinado por el poder de la improvisación, Cassavetes llevó su búsqueda de la verdad en la actuación a la pantalla. Las cinco películas de esta colección, sobre las cuales el director mantuvo un control total financiándolas él mismo y haciéndolas fuera del sistema de estudios, son creaciones electrizantes y compasivas, pobladas por todo tipo de humanidad: beatniks, hippies, hombres de negocios, actores, amas de casa, stripper, dueños de clubes, gánsteres, niños. A menudo se ha llamado a Cassavetes un director de actores, pero este conjunto de obras, incluso mayor que la suma de sus extraordinarias partes, lo muestra como un director para el público.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevas restauraciones digitales de alta definición de las cinco películas, con bandas sonoras monofónicas sin comprimir en las ediciones de Blu-ray\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva restauración digital de alta definición de la versión de 108 minutos de 1978 de\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"The Killing of a Chinese Bookie\" de Cassavetes\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"A Constant Forge: The Life and Art of John Cassavetes\" (2000), un documental de 200 minutos dirigido por Charles Kiselyak\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevas entrevistas con la actriz Lelia Goldoni y el productor asociado Seymour Cassel sobre \"Shadows\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eImágenes silenciosas del taller de drama Cassavetes-Lane, del cual surgió \"Shadows\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eDemostración de restauración para \"Shadows\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eSecuencia de apertura alternativa de dieciocho minutos para \"Faces\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEpisodio de la serie de televisión Franciasa \"Cinéastes de notre temps\" de 1968, dedicado a Cassavetes\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Haciendo 'Faces'\", un nuevo documental con entrevistas a los actores Cassel, Lynn Carlin y Gena Rowlands, y al director de fotografía Al Ruban\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e\"Al Ruban sobre iluminación y filmación de 'Faces'\", un nuevo programa de video \u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eComentario de audio para \"A Woman Under the Influence\" por el ingeniero de sonido ycompositor Bo Harwood y el operador de cámara Mike Ferris\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva conversación entre Rowlands y el actor Peter Falk sobre \"A Woman Under the Influence\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevo programa de entrevistas con el actor Ben Gazzara y Ruban discutiendo \"The Killing of a Chinese Bookie\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva conversación entre Rowlands y Gazzara sobre \"Opening Night\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNueva entrevista con Ruban sobre \"Opening Night\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTres entrevistas de audio con Cassavetes de la década de 1970\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eAvances de \"Shadows\", \"A Woman Under the Influence\", \"The Killing of a Chinese Bookie\" y \"Opening Night\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eGalerías de imágenes y carteles\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eSubtítulos en inglés para sordos y personas con dificultades auditivas\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un folleto con ensayos de Gary Giddins, Kent Jones, Kiselyak, Stuart Klawans, Dennis Lim y Phillip Lopate; escritos y entrevistas con Cassavetes; y homenajes al cineasta de parte del director Martin Scorsese; la actriz y escritora Elaine Kagan, ex secretaria de Cassavetes; y el novelista Jonathan Lethem\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eNuevas portadas de Lucien S. Y. Yang\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong style=\"font-family: -apple-system, BlinkMacSystemFont, 'San Francisco', 'Segoe UI', Roboto, 'Helvetica Neue', sans-serif; font-size: 0.875rem;\"\u003e7.1 Shadows\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl debut como director de John Cassavetes gira en torno a un romance en la ciudad de Nueva York entre Lelia (Lelia Goldoni), una mujer negra de piel clara, y Tony (Anthony Ray), un hombre blanco. La relación se ve amenazada cuando Tony conoce al hermano de Lelia, Hugh (Hugh Hurd), un cantante de jazz de piel más oscura, y descubre que su herencia racial no es lo que él pensaba. Filmada en ubicaciones reales en Manhattan con un elenco y equipo en su mayoría no profesionales, Shadows es una obra penetrante que es ampliamente considerada como precursora del movimiento del cine independiente estadounidense.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1959 · 82 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.33:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e7.2 Faces \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJohn Cassavetes somete a un matrimonio en desintegración al microscopio en la abrasadora Faces. Filmada en blanco y negro de alto contraste en 16 mm, la película sigue los intentos fútiles del capitán de la industria Richard (John Marley) y su esposa, Maria (Lynn Carlin), por escapar de la angustia de su relación vacía en los brazos de otros. Con actuaciones sorprendentemente nerviosas de Marley, Carlin y los habituales de Cassavetes, Gena Rowlands y Seymour Cassel, Faces enfrenta la alienación moderna y la batalla de los sexos con una honestidad brutal y una compasión raramente igualada en el cine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1968 · 130 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.66:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e7.3. A Woman Under the Influence Este retrato intransigente del tormento doméstico detalla el colapso emocional de una ama de casa suburbana y la lucha de su familia por salvarla de sí misma. Gena Rowlands y Peter Falk ofrecen actuaciones inolvidablemente desgarradoras como una pareja casada profundamente enamorada pero incapaz de expresar su ardor en términos que el otro pueda entender. Esta película estadounidense emblemática es quizás la obra más querida del extraordinario John Cassavetes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e1974 · 147 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e7.4 The Killing of a Chinese Bookie \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJohn Cassavetes se involucra con el cine negro en su propio estilo inimitable con \"The Killing of a Chinese Bookie\". Ben Gazzara retrata brillantemente a un dueño de un club de caballeros, Cosmo Vitelli, desesperadamente comprometido en mantener una fachada de gentileza sofisticada a pesar de la sordidez de su entorno y sus propios apetitos poco saludables. Cuando se enfrenta a prestamistas, Cosmo debe cometer un terrible crimen o perder su estilo de vida. Hipnótica e idiosincrática, la película es un provocativo examen de la identidad masculina. Se presenta aquí en dos versiones: el montaje original de Cassavetes de 1976 y su versión de 1978, casi treinta minutos más corta.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1976 · 135 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e7.5 Opening Night \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMientras está en medio de los ensayos para su última obra teatral, la actriz de Broadway Myrtle Gordon (Gena Rowlands) presencia la muerte accidental de una joven fan adoradora, después de lo cual comienza a enfrentar el caos de su propia vida. Encabezada por una actuación virtuosa de Rowlands, \"Opening Night\" de John Cassavetes expone el drama de una intérprete que, a un gran costo personal, hace suyo un papel, y funciona como una metáfora del singular método creativo arrancado del corazón del director.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e1977 · 144 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e7.6 A Constant Forge \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\"A Constant Forge - The Life and Art of John Cassavetes\" de Charles Kiselyak es un detallado viaje a través de la carrera de uno de los más grandes pioneros e iconoclastas del cine. Compuesta por entrevistas sinceras con colaboradores y amigos de Cassavetes, fotografías raras, metraje de archivo y las propias palabras del director, la película pinta un retrato revelador de un hombre cuyo feroz amor, valentía y dedicación cambiaron para siempre el rostro del cine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 2000 · 200 minutos · Color · 1.33:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"John Cassavetes","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778361478,"sku":"CRT-122-JOHNCA","price":1499.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/7.-JohnCassavetes-FiveFilms.jpg?v=1781119987"},{"product_id":"the-before-trilogy","title":"The Before Trilogy","description":"\u003cp\u003eLa piedra angular de la exploración de toda la carrera del director Richard Linklater sobre el tiempo cinematográfico, este celebrado romance en tres partes captura una relación mientras comienza, vuelve a comenzar, se profundiza y se tensa a lo largo de casi dos décadas. Al narrar el amor de Celine (Julie Delpy) y Jesse (Ethan Hawke), desde su primer encuentro como veinteañeros idealistas hasta la desilusión que enfrentan juntos en la mediana edad, la Trilogía Antes también sirve como documento de una colaboración extremadamente íntima y vanguardista entre el director y los actores, ya que Delpy y Hawke infunden a sus personajes un sentido de experiencia vivida y envejecen en pantalla junto con ellos. Sintonizados con la grandiosidad arrolladora del paso del tiempo así como con la fugacidad de los momentos individuales, las películas Antes trazan el progreso del destino romántico mientras navega por las vicisitudes de la vida ordinaria.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS DE LA EDICIÓN ESPECIAL APROBADA POR EL DIRECTOR:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eNuevas transferencias digitales restauradas en 2K de Before Sunrise y Before Sunset, y un máster digital en 2K de Before Midnight, aprobadas por el director Richard Linklater, con una banda sonora de 2.0 surround DTS-HD Master Audio en el Blu-ray de Before Sunrise y bandas sonoras de 5.1 surround DTS-HD Master Audio en los Blu-ray de Before Sunset y Before Midnight\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva discusión con Linklater y los actores Julie Delpy y Ethan Hawke, moderada por el crítico Kent Jones\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eMaterial detrás de escena y entrevistas de las producciones de Before Sunrise y Before Sunset\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eComentario de audio sobre Before Midnight por Delpy, Linklater y Hawke Richard Linklater: Dream Is Destiny, un documental de larga duración de 2016 dirigido por Louis Black y Karen Bernstein\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAfter Before, un nuevo documental de Athina Rachel Tsangari sobre la realización de Before Midnight en Grecia\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva conversación entre los académicos Dave Johnson y Rob Stone sobre la obra de Linklater\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEpisodio del programa de radio Fresh Air con la presentadora Terry Gross, Linklater, Delpy y Hawke\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLinklater \/\/ On Cinema \u0026amp; Time, un ensayo visual de 2016 realizado por el cineasta :: kogonada\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSubtítulos en inglés para sordos y personas con dificultades auditivas\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un ensayo sobre la trilogía escrito por el crítico Dennis Lim\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eArte de tapa por Michael Gillette\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e8.1 Before Sunrise \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUna oda exquisitamente sutil al deleite de la posibilidad romántica, la primera entrega de The Before Trilogy comienza con un encuentro fortuito entre dos solitarios extraños jóvenes. Después de conectar en un tren rumbo a Viena, la estudiante universitaria parisina Celine y el enérgico turista estadounidense Jesse deciden impulsivamente pasar un día juntos antes de que él regrese a Estados Unidos al día siguiente. Mientras la pareja deambula por las calles de la majestuosa ciudad, la mirada tiernamente observadora de Richard Linklater captura la incertidumbre y la embriaguez del amor juvenil, desde los primeros movimientos torpes de atracción hasta la promesa esperanzadora que Celine y Jesse hacen al inevitablemente separarse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1995 · 101 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e8.2 Before Sunset \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn la impresionante continuación de Before Sunrise, Celine localiza a Jesse, ahora un autor, al final de su gira de libros en París, con solo unas pocas horas antes de que aborde un vuelo de regreso a casa en Estados Unidos. Reuniéndose casi una década después de su breve romance en Viena, la pareja encuentra su química avivada por intercambios cada vez más sinceros sobre contratiempos profesionales, decepciones matrimoniales y los compromisos de la adultez. Impulsada por un sentido urgente de la transitoriedad de la conexión humana, Before Sunset sigue siendo el experimento más seductor de Richard Linklater con el inexorable paso del tiempo y la forma en que el amor puede parecer detenerlo en seco.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 2004 · 80 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e8.3 Before Midnight \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa conclusión de la Trilogía Before encuentra a Celine y Jesse varios años en una relación y en medio de un retiro griego iluminado por el sol con sus hijas gemelas y un grupo de amigos. Sin embargo, la pareja pronto ve cómo sus vacaciones se ven trastornadas por problemas latentes que llegan a su punto máximo. Marcada por la profundidad emocional, el ingenio penetrante y la exuberancia conversacional que Linklater y sus actores perfeccionaron durante dos décadas de convivencia con estos personajes, Before Midnight aborda las complejidades de la intimidad a largo plazo, y pregunta qué sucede con el amor cuando ya no tiene recurso a sus ilusiones pasadas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 2013 · 109 minutos · Color · 1.85:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Richard Linklater","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778394246,"sku":"CRT-123-THEBEF","price":1399.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/8TheBeforeTrilogy.jpg?v=1781119705"},{"product_id":"three-colors","title":"Three Colors","description":"\u003cp\u003eEste audaz trío cinematográfico de historias sobre el amor y la pérdida, de Krzysztof Kieślowski, fue un evento definitorio del auge del cine de arte en la década de 1990. Las películas llevan los nombres de los colores de la bandera Franciasa y representan los principios de la Revolución Franciasa: libertad, igualdad y fraternidad, pero eso apenas comienza a explicar su belleza enigmática y su rica humanidad. Ambientadas en París, Varsovia y Ginebra, y que van desde la tragedia hasta la comedia, Azul, Blanco y Rojo (la última película de Kieślowski) examinan con claridad artística a un grupo de personas ambiguamente interconectadas que experimentan profundos trastornos personales. Marcadas por una cinematografía embriagadora y actuaciones conmovedoras de Juliette Binoche, Julie Delpy, Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant, Los tres colores de Kieślowski son un referente del cine contemporáneo.\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eCaracterísticas especiales:\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003e4K UHD y Blu-ray: Nuevas restauraciones digitales en 4K, con bandas sonoras de 5.1 surround DTS-HD Master Audio; Edición solo en Blu-ray: Restauraciones digitales de alta definición, con bandas sonoras 2.0 DTS-HD Master Audio; DVD: Restauracionesdigitales de alta definición\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTres lecciones de cine con el director Krzysztof Kieślowski\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEntrevistas con el coguionista Krzysztof Piesiewicz, el compositor Zbigniew Preisner y los actores Julie Delpy, Irène Jacob y Zbigniew Zamachowski\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eComentario seleccionado de escenas con la actriz Juliette Binoche\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eEnsayos en video de los críticos de cine Annette Insdorf, Tony Rayns y Dennis Lim\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eDocumental de 1995 con Kieślowski\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eTres cortometrajes de Kieślowski: El tranvía (1966), Siete mujeres de diferentes edades (1978) y Cabezas parlantes (1980), más el cortometraje La cara (1966), protagonizado por Kieślowski\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eProgramas de entrevistas sobre la vida y obra de Kieślowski, con Binoche, Insdorf, Jacob, el crítico de cine Geoff Andrew, la cineasta Agnieszka Holland, el director de fotografía Sławomir Idziak, el productor Marin Karmitz y el editor Jacques Witta\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eProgramas detrás de escena para Blanco y Rojo, y un corto documental sobre el estreno mundial de Rojo\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eAvances\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Ensayos de los críticos de cine Colin MacCabe, Nick James, Stuart Klawans y Georgina Evans; un extracto de Kieślowski sobre Kieślowski; y entrevistas reimpresas con los directores de fotografía Idziak, Edward Kłosiński y Piotr Sobociński\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003ePortadas de Sarah Habibi\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e10.1 Three Colors: Blue \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn la devastadora primera película de la trilogía Tres colores de Krzysztof Kieślowski, Juliette Binoche ofrece una actuación magistral como Julie, una mujer que se tambalea tras la trágica muerte de su esposo y su hija pequeña. Pero Azul es más que un estudio abrasador sobre el duelo; también es un relato de liberación, ya que Julie intenta liberarse del pasado mientras enfrenta verdades sobre la vida de su difunto esposo, un compositor. Rodada en tonos zafiros por Sławomir Idziak, y con una extraordinaria banda sonora operística de Zbigniew Preisner, Azul es una experiencia sensorial abrumadora.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1993 · 98 minutos · Color · 1.85:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e10.2 Three Colors: White \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa película más juguetona y también la más cruda de las Tres colores de Krzysztof Kieślowski sigue las aventuras de Karol Karol (Zbigniew Zamachowski), un inmigrante polaco que vive en Francia. El desafortunado peluquero decide dejar París para regresar a su Varsovia natal cuando su esposa (Julie Delpy) lo demanda por divorcio (su motivo: su matrimonio nunca fue consumado) y luego lo incrimina por un incendio provocado después de prender fuego a su propio salón de belleza. Blanco, que luego narra el elaborado plan de venganza de Karol, logra ser tanto una cómica oscura sobre las desigualdades económicas entre Europa del Este y Occidente como una sublime reflexión sobre el amor retorcido.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003ePolonia , Francia · 1994 · 91 minutos \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003eColor · 1.85:1 · Francés, Polaco\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e10.3 Three Colors: Red \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eKrzysztof Kieślowski cierra su trilogía Tres colores de manera grandiosa, con una incandescente meditación sobre el destino y el azar, protagonizada por Irène Jacob como una modelo de pasarela dulce pero sombría en Ginebra cuya vida se entrelaza dramáticamente con la de un amargado juez jubilado, interpretado por Jean-Louis Trintignant. Mientras tanto, justo al final de la calle, se desarrolla una historia aparentemente no relacionada de celos y traición. Rojo es una mirada íntima a las conexiones forjadas y una espléndida declaración final de un notable cineasta en la cúspide de sus poderes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eSuiza, Francia · 1994 · 99 minutos · Color · 1.85:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Krzysztof Kieślowski","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778427014,"sku":"CRT-124-THREEC","price":1349.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/10.ThreeColors.jpg?v=1781119497"},{"product_id":"berlin-alexanderplatz","title":"Berlin Alexanderplatz","description":"\u003cp\u003eLa controvertida y monumental Berlin Alexanderplatz de Rainer Werner Fassbinder, de quince horas de duración y basada en la gran novela modernista de Alfred Döblin, fue el logro más destacado de un prolífico director que, a la edad de treinta y cuatro años, ya había realizado más de treinta películas. El épico inmersivo de Fassbinder sigue al corpulento ex-convicto Franz Biberkopf (Günter Lamprecht), de apariencia infantil, mientras intenta \"convertirse en un alma honesta\" en el corrosivo paisaje urbano de la \u003cem\u003eAlemania de la época de Weimar. Con partes iguales de cinismo y humanidad, \u003c\/em\u003eFassbinder detalla un retrato colosal de un hombre común luchando por sobrevivir en un tiempo extraordinariamente despiadado.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBerlin Alexanderplatz fue filmada a una velocidad de 25 cuadros por segundo. Debido a discrepancias técnicas entre los estándares PAL y NTSC, la película se presenta en la edición en DVD a una velocidad ligeramente más lenta. Sin embargo, en la edición en Blu-ray, fue posible presentar la película a su velocidad original. Esto explica la diferencia en la duración entre las dos ediciones.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eAlemania · 1980 · 902 minutos · Color · 1.37:1 · Alemán\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCaracterísticas especiales:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eRestauración digital de alta definición realizada por la Fundación Rainer Werner Fassbinder y Bavaria Media, supervisada y aprobada por el director de fotografía Xaver Schwarzenberger, con banda sonora DTS-HD Master Audio\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDos documentales de la presidenta de la Fundación Rainer Werner Fassbinder, Juliane Lorenz: uno de 2007 con entrevistas al elenco y equipo técnico, y otro de 2006 sobre la restauración\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEl documental de Hans-Dieter Hartl de 1980 Notas sobre la realización de \"Berlin Alexanderplatz\"\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eLa película de largometraje de Phil Jutzi de 1931 basada en la novela de Alfred Döblin, a partir de un guion coescrito por el propio Döblin\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntrevista de 2007 con Peter Jelavich, autor de \"Berlin Alexanderplatz\": Radio, Cine y la Muerte de la Cultura Weimar\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un ensayo del cineasta Tom Tykwer, reflexiones sobre la novela de Fassbinder y el autor Thomas Steinfeld, y una entrevista con Schwarzenberger\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003ePortada por Eric Skillman\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"Rainer Werner Fassbinder","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778492550,"sku":"CRT-126-BERLIN","price":1299.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/12.BerlinAlexanderplatz.jpg?v=1781118995"},{"product_id":"eric-rohmers-tales-of-the-four-seasons","title":"Eric Rohmer's Tales of the Four Seasons","description":"\u003cp\u003eLas estaciones pueden cambiar, pero las locuras del corazón son constantes en este cuarteto de películas inefablemente encantadoras de Eric Rohmer, uno de los cronistas más perceptivos del cine sobre los dolores y peligros del romance. Ambientadas en toda Francia, Tales of the Four Seasons es un ciclo que se destaca junto a las dos series de películas aclamadas anteriormente del director, Six Moral Tales y Comedies and Proverbs. Alternativamente cómicas y melancólicas, ligeras y ricas en filosofía, estas amargas historias de amor, anhelo y los inevitables malentendidos que dan forma a las relaciones humanas exploran las emociones más complejas con la máxima gracia.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS ESPECIALES:\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eNuevas restauraciones digitales en 2K, supervisadas por la directora de fotografía Diane Baratier y Laurent Schérer, hijo del director Eric Rohmer, con bandas sonoras monofónicas sin comprimir.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNuevo programa de entrevistas grabado en la casa de Rohmer en Tulle, Francia, con la participación de Baratier, la productora Françoise Etchegaray, el ingeniero de sonido Pascal Ribier y la editora Mary Stephen.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFragmentos de entrevistas en radio con Rohmer realizadas por los críticos de cine Michel Ciment y Serge Daney.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDocumental de 2005 sobre la realización de A Tale of Summer, de Etchegaray y JeanAndré Fieschi.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDos cortometrajes dirigidos por Rohmer: A Farmer in Montfaucon (1968) y The Kreutzer Sonata (1956).\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eTráiler.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNuevas traducciones de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un ensayo escrito por la crítica de cine Imogen Sara Smith.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva portada creada por Polly Dedman.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e18.1 A Tale of Springtime \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn la primera película de Tales of the Four Seasons, una creciente amistad entre la profesora de filosofía Jeanne (Anne Teyssèdre) y la pianista Natacha (Florence Darel) se ve afectada por los celos, la sospecha y la intriga. Natacha anima a Jeanne a perseguir a Igor (Hugues Quester), el padre de Natacha, para suplantar a Ève (Eloïse Bennett), su joven novia, a quien Natacha desprecia. Sin embargo, el plan de Natacha corre el riesgo de alienar a quienes están más cerca de ella y de enredar a Jeanne en el tipo de drama romántico del que ha jurado evitar. A Tale of Springtime encuentra a Eric Rohmer en pleno dominio de su sutil narrativa visual al contrastar el brillo de los entornos parisinos y suburbanos de sus personajes con sus deseos, ideas y temperamentos conflictivos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1990 · 107 minutos · Color · 1.66:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e18.2 A Tale of Winter \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl segundo cuento de las Cuatro Estaciones realizado por Eric Rohmer es una de las películas más espirituales y emocionales de su legendaria carrera. Cinco años después de perder contacto con Charles (Frédéric van den Driessche), el amor de su vida y el padre de su hija pequeña, Félicie (Charlotte Véry) intenta elegir entre el bibliotecario Loïc (Hervé Furic), quien vive en los suburbios de París, y el peluquero Maxence (Michel Voletti), quien recientemente se mudó a la ciudad central Franciasa de Nevers. En medio de la indecisión, Félicie se aferra a una fe inquebrantable de que un milagro la reunirá con Charles, una fe que Rohmer examina en todas sus dimensiones religiosas y filosóficas.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1992 \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e114 minutos · Color · 1.66:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e18.3 A Tale of Summer \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSegún Eric Rohmer, Un cuento de verano es la película más autobiográfica que hizo. Basada en eventos de la juventud de Rohmer, esta entrega de Cuentos de las Cuatro Estaciones sigue al músico amateur Gaspard (Melvil Poupaud) a un balneario en Dinard, en la costa de Bretaña. Allí, tres mujeres (Amanda Langlet, Gwenaëlle Simon y Aurélia Nolin) ofrecen la posibilidad de romance, pero la incapacidad de Gaspard para comprometerse con una sola pone en peligro todas sus oportunidades de amor. La película presenta las observaciones melancólicas de Rohmer sobre la indecisión y la naturaleza voluble del deseo, representadas por un elenco joven y talentoso en un entorno pintoresco.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1996 · 114 minutos · Color · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e18.4 A Tale of Autumn \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa última entrega de la tetralogía Cuentos de las Cuatro Estaciones es una versión ligera de las clásicas comedias románticas americanas que influenciaron a Eric Rohmer y sus compañeros de la Nueva Ola Franciasa. Ambientada entre los dorados viñedos del Valle del Ródano, Un cuento de otoño trata sobre los esquemas simultáneos para encontrar un nuevo amor para la reservada viuda y viticultora Magali (Béatrice Romand). La novia de su hijo (Alexia Portal) intenta emparejarla con un antiguo profesor y amante (Didier Sandre), mientras que la amiga de Magali, Isabelle (Marie Rivière), asume una identidad falsa para atraer al soltero elegible Gérald (Alain Libolt). Los malentendidos que siguen son puro Rohmer al sacar a relucir el humor en la locura humana.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1998 · 111 minutos · Color · 1.37:1 · Francés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Éric Rohmer","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778525318,"sku":"CRT-127-ERICRO","price":1449.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/18EricRohmer_sTalesoftheFourSeasons.jpg?v=1781118824"},{"product_id":"the-human-condition","title":"The Human Condition","description":"\u003cp\u003eEste colosal drama humanista de Masaki Kobayashi es uno de los logros más impresionantes del cine japonés. Originalmente filmada y lanzada en tres entregas de dos partes cada una, la épica de nueve horas y media \"La Condición Humana\", adaptada de la novela en seis volúmenes de Junpei Gomikawa, narra el viaje del bienintencionado pero ingenuo Kaji, interpretado por la superestrella japonesa Tatsuya Nakadai, desde supervisor de un campo de trabajo hasta soldado del Ejército Imperial y prisionero de guerra soviético. Constantemente tratando de superar un sistema corrupto, Kaji una y otra vez descubre que sus valores morales son más un impedimento que una ventaja. Una cruda acusación de la mentalidad de guerra de \u003cem\u003eJapón, así como una tragedia existencial personal, la fascinante y magníficamente \u003c\/em\u003efilmada épica de Kobayashi es el cine más novelístico en su mejor momento.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eJapón · 1959 · 575 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 2.39:1 · Japonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eCARACTERÍSTICAS DE LA EDICIÓN ESPECIAL EN BLU-RAY\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eRestauración digital de alta definición, con bandas sonoras monaurales sin comprimir (Partes 1–4) y DTS-HD Master Audio envolvente 4.0 (Partes 5 y 6)\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eExtracto de una entrevista de 1993 realizada por el Sindicato de Directores de Japón al director Masaki Kobayashi, conducida por el cineasta Masahiro Shinoda\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntrevista de 2009 con el actor Tatsuya Nakadai\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eApreciación de Kobayashi y \"La Condición Humana\" de 2009 con la participación de Shinoda\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAvances\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Un ensayo del crítico Philip Kemp\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eDiseño de portada por Sarah Habibi, caligrafía por Akiko Crowther\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Masaki Kobayashi","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778558086,"sku":"CRT-128-THEHUM","price":899.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/20TheHumanCondition.jpg?v=1781118646"},{"product_id":"freaks-the-unknown-the-mystic-tod-brownings-sideshow-shockers","title":"Freaks \/ The Unknown \/ The Mystic: Tod Browning's Sideshow Shockers","description":"\u003cp\u003eEl mundo es un carnaval de criminalidad, corrupción y extrañezas psicosexuales en los retorcidos impactantes pre-Código de Tod Browning. Como el autor más vanguardista\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ede Hollywood temprano, Browning se basó en sus experiencias como artista de circo para crear entretenimientos pulp subversivos ambientados en el mundo de los espectáculos itinerantes, que, con su aire exótico y deshonroso, proporcionaban un trasfondo penetrante para sus sórdidos relatos de marginados, estafadores, villanos y vagabundos. Reuniendo dos de sus obras definitorias (The Unknown y Freaks) y una rareza de larga disponibilidad (The Mystic), este gabinete de curiosidades revela a un maestro de lo mórbido cuya capacidad para perturbar es igualada solo por su audaz compasión por los más oprimidos de la sociedad.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e3.1 Freaks \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa película más transgresora producida por un importante estudio estadounidense en la década de 1930, el logro supremo de Tod Browning ha perseguido los márgenes del cine durante casi cien años. Un elenco inolvidable de artistas de feria de la vida real interpreta a los artistas de un circo ambulante que, marginados por la sociedad convencional, viven según su propio código, uno de aceptación radical para los oprimidos y, como aprende la hermosa pero cruel trapecista del espectáculo, de una aterradora represalia para aquellos que los cruzan. Recibida con repulsión por los espectadores en su estreno inicial, Freaks dañó permanentemente la carrera de Browning, pero ahora se puede ver por lo que es: un grito audaz por comprensión y una experiencia singular de poderes casi vanguardistas y pesadillescos.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1932 · 62 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.37:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e3.2 The Unknown \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa colaboración más celebrada y exquisitamente perversa entre Tod Browning y su legendario protagonista Lon Chaney, The Unknown, presenta una interpretación físicamente angustiosa de \"el Hombre de las Mil Caras\" como el lanzador de cuchillos\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eespañol sin brazos, Alonzo (lanza dagas con los pies), cuya malvada obsesión por su\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ehermosa asistente (Joan Crawford) -una mujer que, casualmente, no puede soportar ser tocada por las manos de ningún hombre- lo lleva a extremos inefables. Obsesión sadomasoquista, engaño, asesinato, desfiguración y un espectacular clímax de Grand Guignol: Browning extrae cada último escalofrío de la premisa sórdida.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e · \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e1927 · 67 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.33:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e3.2 The Mystic \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUna película atmosféricamente fantástica pero raramente vista, que constituye un eslabón perdido en el desarrollo del arte de Tod Browning, ambientada en su entorno favorito de ferias de variedades sombrías y criminales astutos. The Mystic ofrece un impresionante escaparate para la diva de la era del cine mudo, Aileen Pringle, quien luce una serie de looks memorables (cortesía del diseñador art déco Erté) como Zara, una falsa médium en un carnaval húngaro que, bajo la guía de un estafador tipo Svengali (Conway Tearle), se cuela, y procede a estafar, en la alta sociedad estadounidense. La fascinación de Browning por lo extraño se muestra plenamente en las secuencias de sesiones de espiritismo, mientras que su ambigüedad moral subversiva extiende una sorprendente simpatía incluso a los antihéroes aparentemente irredeemables.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eEstados Unidos · 1925 · 74 minutos · Blanco \u0026amp; Negro · 1.33:1 · Inglés\u003c\/em\u003e\u003cem\u003e\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eNueva restauración digital en 2K de Freaks, con banda sonora monaural sin comprimir en el Blu-ray.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva reconstrucción y restauración digital en 2K de The Unknown por el Museo George Eastman, con una nueva partitura del compositor Philip Carli.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva restauración digital en 2K de The Mystic, con una nueva partitura del compositor Dean Hurley.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eComentarios de audio sobre Freaks y The Unknown, e introducción a The Mystic por el académico de cine David J. Skal.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva entrevista con la autora Megan Abbott sobre el director Tod Browning y el horror pre-Código.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDocumental de archivo sobre Freaks.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEpisodio de 2019 del podcast de la crítica Kristen Lopez, Ticklish Business, sobre la representación de la discapacidad en Freaks. Lectura de Skal de \"Spurs\", el cuento corto de Tod Robbins en el que se basa Freaks.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePrólogo de Freaks, que se añadió a la película en 1947.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003ePrograma sobre los finales alternativos de Freaks.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eGalería de vídeo de retratos de Freaks.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eSubtítulos en inglés para personas sordas y con problemas de audición.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNueva portada de Raphael Geroni.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"Tod Browning","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778590854,"sku":"CRT-129-FREAKS","price":799.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/3.FreaksdeTodBrowning.jpg?v=1781118447"},{"product_id":"ingmar-bergmans-cinema","title":"Ingmar Bergman's Cinema","description":"\u003cp\u003eEn honor al centenario del nacimiento de Ingmar Bergman, la Criterion Collection sacó la colección más completa de sus películas jamás editada para video doméstico. Una de las voces más reveladoras surgidas de la explosión del cine de autor internacional de la posguerra, Bergman fue un maestro narrador que sorprendió al mundo con su intensidad descarnada y su búsqueda sin concesiones de las preguntas metafísicas y espirituales más profundas. Los conflictos de la fe y la moralidad, la naturaleza de los sueños y las agonías y éxtasis de las relaciones humanas: Bergman exploró estos temas en películas que abarcan desde comedias cuya ligereza y complejidad ocultan corazones sombríos, hasta innovadores experimentos formales y exploraciones íntimas y desgarradoras de la vida familiar.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eOrganizada como un festival de cine, con funciones de inauguración y clausura que enmarcan dobles programas y obras centrales, esta selección recorre seis décadas y treinta y nueve películas, incluyendo clásicos celebrados como The Seventh Seal, Persona y Fanny and Alexander, junto a obras anteriormente inéditas como Dreams, The Rite y Brink of Life. Acompañada por un libro de 248 páginas con ensayos dedicados a cada programa, así como por más de treinta horas de materiales complementarios, \u003cem\u003eEl cine de Ingmar Bergman\u003c\/em\u003e traza los temas e imágenes que atraviesan toda su carrera, iluminando recorridos dentro de la incomparable obra del maestro, tanto para sus admiradores de toda la vida como para quienes se acercan a ella por primera vez.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eCaracterísticas especiales\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eTreinta y nueve películas, incluyendo dieciocho que nunca antes habían sido editadas por Criterion.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eRestauraciones digitales de todas las películas, entre ellas una nueva restauración en 4K de The Seventh Seal y nuevas restauraciones en 2K de Crisis, Persona, Fanny and Alexander y muchas otras, con pistas de sonido mono y estéreo sin compresión.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eOnce introducciones realizadas por el propio director Ingmar Bergman.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eSeis comentarios en audio.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eMás de cinco horas de entrevistas con Bergman.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eEntrevistas con colaboradores de Bergman, entre ellos los actores Bibi Andersson, Harriet Andersson, Ingrid Bergman, Erland Josephson, Gunnel Lindblom, Liv Ullmann y Max von Sydow, así como el director de fotografía Sven Nykvist.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eDaniel and Karin’s Face\u003c\/em\u003e, dos cortometrajes documentales poco vistos dirigidos por Bergman.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eDocumentales sobre la realización de Autumn Sonata, Fanny and Alexander, The Magic Flute, The Serpent's Egg, The Touch y Winter Light.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eAmplios programas dedicados a la vida y obra de Bergman, incluyendo Bergman Island, \u003cem\u003e...But Film Is My Mistress\u003c\/em\u003e, \u003cem\u003eLaterna Magica\u003c\/em\u003e, Liv \u0026amp; Ingmar y otros.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\n\u003cp\u003eMaterial detrás de cámaras, videoensayos, avances cinematográficos, galerías fotográficas y mucho más.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eAdemás:\u003c\/strong\u003e un lujoso libro ilustrado de 248 páginas que incluye ensayos sobre las películas escritos por críticos, académicos y autores como Peter Cowie, Alexander Chee, Molly Haskell, Karan Mahajan, Fernanda Solórzano y muchos otros, además de una selección de textos, reflexiones y comentarios del propio Bergman.\u003c\/p\u003e","brand":"Ingmar Bergman","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778623622,"sku":"CRT-130-INGMAR","price":4999.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/CRIT-130.jpg?v=1781118105"},{"product_id":"world-of-wong-kar-wai","title":"World of Wong Kar Wai","description":"\u003cp\u003eCon sus imágenes exuberantes y sensuales, bandas sonoras perfectamente adaptadas y romanticismo profundo, Wong Kar Wai se ha establecido como uno de los autores definitorios del cine contemporáneo. Acompañado por colaboradores clave como el director de fotografía Christopher Doyle, el editor y diseñador de producción y vestuario William Chang Suk Ping, y los actores Tony Leung Chiu Wai y Maggie Cheung Man Yuk, Wong (o WKW, como a menudo se le conoce) ha escrito y dirigido películas que han cautivado a audiencias y críticos de todo el mundo e inspirado a innumerables cineastas con sus estados de ánimo poéticos y musicales, su audacia narrativa y estilística, y sus potentes temas de alienación y memoria. Ya sea trágicamente románticas, empapadas de sangre o cómicamente peculiares, las siete películas recopiladas aquí son una invitación al mundo único y nostálgico de un artista profundamente influyente.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNuevas restauraciones digitales en 4K de Chungking Express, Fallen Angels, Happy Together, In the Mood for Love y 2046, aprobadas por el director Wong Kar Wai, con bandas sonoras de 5.1 canales DTS-HD Master Audio. Nuevas restauraciones digitales en 4K de As Tears Go By y Days of Being Wild, con bandas sonoras monaurales sin comprimir. Nuevo programa en el que Wong responde preguntas enviadas por los autores André Aciman y Jonathan Lethem; los cineastas Sofia Coppola, Rian Johnson, Lisa Joy y Chloé Zhao; los directores de fotografía Philippe Le Sourd y Bradford Young; y las cineastas y fundadoras\/directoras creativas de Rodarte Kate y Laura Mulleavy.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVersión alternativa de Days of Being Wild, disponible por primera vez en vídeo doméstico. Versión extendida de The Hand, un cortometraje de 2004 de Wong, disponible por primera vez en los Estados Unidos. Hua yang de nian hua, un cortometraje de 2000 de Wong. Entrevista y \"lección de cine\" con Wong de 2001. Varios programas con entrevistas a Wong; los actores Maggie Cheung Man Yuk, Tony Leung Chiu Wai, Chang Chen, Faye Wong y Ziyi Zhang; y otros. Programa de 2012 sobre la banda sonora de In the Mood for Love. Escenas eliminadas, finales alternativos, imágenes detrás de escena, un carrete promocional, videoclips musicales y tráilers.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eplegado francés con fotografías lujosas, un ensayo del crítico John Powers, una nota del director y seis impresiones artísticas coleccionables. Nueva portada de Nessim Higson.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e1 As Tears Go By \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl deslumbrante debut cinematográfico de Wong Kar Wai es un thriller criminal cinético y hipercool, adornado con destellos del estilo visual impresionista y soñador por el cual se haría famoso. Ambientada en el despiadado y neoniluminado submundo criminal de\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong, esta saga operática de ambición, honor y venganza tiene como\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eprotagonista a Andy Lau Tak Wah, en el papel de un matón de poca monta que se ve dividido entre un romance naciente con su prima enferma (Maggie Cheung Man Yuk, en la primera de sus icónicas colaboraciones con el director) y su lealtad a su compañero de crimen descontrolado (Jacky Cheung Hok Yau), cuyos intentos imprudentes por hacerse un nombre desencadenan una espiral de violencia. Al combinar los placeres de la literatura barata del drama de acción de Hong Kong con destellos del romanticismo embriagador que Wong llevaría a alturas intoxicantes durante la década de 1990, As Tears Go By fue un éxito de taquilla que anunció la llegada de uno de los talentos más electrizantes del cine contemporáneo.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 1988 · 98 minutos · Color · 1.85:1 · Cantonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e2 Days of Being Wild \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl segundo largometraje innovador de Wong Kar Wai representa la primera floración completa de su estilo característico y extasiante. La primera entrada en un ciclo ligeramente conectado y en curso que incluye In the Mood for Love y 2046, esta exquisita ensoñación existencial es un derroche onírico a través del Hong Kong de los años 60 en el que un grupo de veinteañeros desorientados, incluido un playboy desafectado (Leslie Cheung Kwok Wing) en busca de su madre biológica, una mujer desconsolada (Maggie Cheung Man Yuk) irremediablemente enamorada de él, y un policía (Andy Lau Tak Wah) atrapado en medio de su relación turbulenta, se unen y se separan en una danza de deseos frustrados. La colaboración inicial del director con el director de fotografía Christopher Doyle, quien aporta a la película su textura bellamente vaporosa y alucinatoria, y el actor Tony Leung Chiu Wai, quien aparece brevemente en un avance tentador para una secuela nunca realizada, Days of Being Wild es una primera expresión electrizante de los temas característicos de Wong sobre el tiempo, el anhelo, la desubicación y la búsqueda inquieta de conexión humana.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 1990 · 95 minutos · Color · 1.85:1 · Cantonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e3 Chungking Express \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEl vertiginoso y doblemente enfocado Chungking Express es una de las obras definitorias del cine de los años 90 y la película que convirtió a Wong Kar Wai en un ícono instantáneo. Dos policías de Hong Kong con el corazón roto (Takeshi Kaneshiro y Tony Leung Chiu Wai), ambos abandonados por sus ex amantes, se cruzan en el\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epuesto de comida para llevar Midnight Express, donde trabaja la etérea camarera Faye (Faye Wong). Todo vale en el encantador y gloriosamente filmado film de Wong, que cimentó el atractivo sexual de sus hermosas estrellas y convirtió para siempre la piña enlatada y la canción \"California Dreamin'\" de The Mamas \u0026amp; the Papas en símbolos de anhelo romántico.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 1994 · 102 minutos · Color · 1.66:1 · Cantonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e4 Fallen Angels \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAlmas perdidas buscan conexión humana en medio de un resplandeciente Hong Kong en la alucinatoria y neonizada nocturna de Wong Kar Wai. Concebida originalmente como un segmento de Chungking Express solo para girar en su propio eje mareado, Fallen Angels se juega como el oscuro y melancólico lado opuesto de su predecesora al trazar los destinos sutilmente entrelazados de un puñado de solitarios urbanos, incluido un asesino a sueldo (Leon Lai Ming) frescamente desapegado que busca enderezarse; su socia comercial (Michelle Reis), quien secretamente anhela por él; y un delincuente mudo (Takeshi Kaneshiro) que causa estragos durante la noche. Alternando entre el noir duro y la locura slapstick con un frenesí alegre, la película es tanto una vertiginosa y deslumbrante sinfonía urbana como una meditación conmovedora sobre el amor, la pérdida y el anhelo en una metrópoli que nunca duerme.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 1995 · 99 minutos · Black and White\/Color · 2.39:1 · Cantonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e5 Happy Together \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUno de los romances más desgarradores de la década de 1990, el retrato emocionalmente crudo y exuberantemente estilizado de Wong Kar Wai de una relación en descomposición, presenta a las superestrellas de Hong Kong Tony Leung Chiu Wai y Leslie Cheung Kwok Wing como una pareja que viaja por Argentina y está atrapada en un ciclo turbulento de infatuación y celos destructivos mientras se separan, se reconcilian y se desmoronan una y otra vez. Al intentar retratar la dinámica de una relación queer con empatía y complejidad en el umbral de la transferencia de Hong Kong en 1997, cuando la comunidad LGBTQ del país de repente enfrentaba un futuro incierto, Wong crea una mirada febril al ciclo de vida de un amor que es a la vez devastador y delIrántemente romántico. Filmada por el experto cinematógrafo Christopher Doyle en tanto blanco y negro luminoso como en color saturado y exuberante, Happy Together es una exploración intoxicante del desplazamiento y el deseo que se desvanece con el dolor y la excitación del amor en sus extremos desgarradores.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 1997 · 96 minutos · Black and White\/Color · 1.85:1\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e6 In The Mood for Love \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong, 1962: Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu Wai) y Su Li-Zhen (Maggie Cheung\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMan Yuk) se mudan a apartamentos vecinos el mismo día. Sus encuentros son formales y educados, hasta que un descubrimiento sobre sus cónyuges crea un vínculo íntimo entre ellos. A la vez delicadamente estilizada y visualmente extravagante, En el estado de ánimo para el amor de Wong Kar Wai es una evocación magistral del anhelo romántico y de momentos fugaces. Con su banda sonora dolorosamente emotiva y su cinematografía exquisitamente abstracta de Christopher Doyle y Mark Lee Ping Bing, esta película ha sido una gran influencia estilística en las últimas dos décadas del cine y es un hito en la notable carrera de Wong.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 2000 \u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e· \u003c\/em\u003e\u003cem\u003e98 minutos · Color · 1.66:1 · Cantonés\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e7 2026 \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa secuela no oficial de Wong Kar Wai de En el estado de ánimo para el amor combina el aire lánguido de anhelo romántico de esa película con una estructura vertiginosa que salta en el tiempo y un giro avant-sci-fi. Tony Leung Chiu Wai retoma su papel como el escritor Chow Mo-Wan, cuyas numerosas relaciones fallidas con mujeres que entran y salen de su vida (y la que entra y sale de la habitación 2046, al final del pasillo de su apartamento) inspIrán la delIránte historia de amor futurista que escribe. Las deslumbrantes secuencias de fantasía de 2046 dan a Wong y a dos de sus colaboradores clave —el cinematógrafo Christopher Doyle y el editor\/diseñador de vestuario\/diseñador de producción William Chang Suk Ping— licencia para dejar volar su imaginación, impulsando las lujosas imágenes y las emociones operáticas hacia lo sublime.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eHong Kong · 2004 · 128 minutos · Color · 2.35:1 · Cantonés, Japonés, Mandarín\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Wong Kar-wai","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778656390,"sku":"CRT-131-WORLDO","price":2299.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/WORLD_WONG_KAR_WAI.jpg?v=1782187635"},{"product_id":"three-films-by-luis-bunuel","title":"Three Films by Luis Buñuel","description":"\u003cp\u003eMás de cuatro décadas después de que tomara una navaja y conmocionara al mundo con Un perro andaluz, el archi-iconoclasta Luis Buñuel culminó su asombrosa carrera con tres últimas provocaciones: El discreto encanto de la burguesía, El fantasma de la libertad y Ese oscuro objeto del deseo, en las cuales su surrealismo renegado y libre asociativo alcanzó su audaz y autodestructivo desenlace. Trabajando con colaboradores clave como el guionista Jean-Claude Carrière y su propio alter ego frecuente en pantalla, Fernando Rey, Buñuel impregnó sus mordaces ataques contra la religión, la pretensión de clase y la hipocresía moral con una violencia salvaje para crear un trío de obras maestras subversivas, brutalmente divertidas, que exploran la absurda aleatoriedad de la existencia. Entre las obras más radicales del director, así como algunos de sus mayores triunfos internacionales, estas películas cimentaron su legado como el revolucionario más incendiario del cine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e1.1 El discreto encanto de la burguesía \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn la deliciosamente satírica obra maestra de Luis Buñuel, un sexteto de clase media alta se sienta a cenar, pero su comida se ve continuamente retrasada, sus intentos de comer frustrados por eventos vaudevillianos tanto reales como imaginarios, incluyendo ataques terroristas, maniobras militares y apariciones fantasmales. Entrelazando una serie discontinua y digresiva de escenas absurdas, Buñuel y su socio en la escritura Jean-Claude Carrière envían a un elenco de grandes del cine europeo, incluidos Fernando Rey, Stéphane Audran, Delphine Seyrig, Jean-Pierre Cassel y Bulle Ogier, a través de un laberinto de deseos diferidos, frustrados e interrumpidos. El pináculo ganador del Oscar del ascenso tardío en la carrera de Buñuel como un aclamado maestro del cine de arte internacional, El discreto encanto de la burguesía es también uno de sus más alegres asaltos radicales a los valores de la clase dominante.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1972 · 101 min · Color · 1.66:1 · Francia\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e1.2 El fantasma de la libertad \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa visión de Luis Buñuel sobre la absurda naturaleza de los rituales sociales humanos alcanza su extremo aniquilador de tabúes en lo que podría ser su obra más moralmente subversiva y formalmente audaz. Zigzagueando a través del tiempo y el espacio, desde la era napoleónica hasta el día de hoy, El fantasma de la libertad se desarrolla como una picaresca, con sus personajes viajando entre cuadros en una serie\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ede no secuencias dadaístas. Desatado por las leyes de la lógica narrativa, Buñuel permite que su id surrealista se desate en una revuelta exuberante contra la racionalidad burguesa que parece transmitirse directamente desde su inconsciente a la pantalla.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1974 · 103 minutos · Color · 1.66:1 · Francia\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003e1.3 Ese oscuro objeto del deseo \u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa última película de Luis Buñuel cierra el círculo completo de la preocupación de toda la vida del director por el lado más oscuro del deseo. El habitual de Buñuel, Fernando Rey, interpreta a Mathieu, un viudo urbano torturado por su lujuria por la escurridiza Conchita. Con un estilo subversivo, Buñuel utiliza a dos actrices diferentes en el último papel: Carole Bouquet, una sofisticada belleza Franciasa, y Ángela Molina, una coqueta española. Tomado de la novela erótica clásica favorita del surrealista Pierre Louÿs, La mujer y el marionetista (1898), Ese oscuro objeto del deseo es un juego vertiginoso de política sexual interrumpido por un terror que remonta a los inicios vanguardistas de Buñuel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eFrancia · 1977 · 104 minutos · Color · 1.66:1 · Francia\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cul\u003e\n\u003cli\u003eNuevas restauraciones digitales de alta definición de las tres películas, con bandas sonoras monaurales sin comprimir.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e\"El náufrago de la calle de la Providencia\", un homenaje de 1971 a Luis Buñuel realizado por sus amigos de toda la vida y colegas cineastas Arturo Ripstein y Rafael Castanedo.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e “A propósito de Buñuel\", un documental del año 2000 sobre la vida y obra de Buñuel.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e Once Upon a Time: “The Discreet Charm of the Bourgeoisie,”, un programa televisivo de 2011 sobre la realización de la película.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntrevistas del año 2000 con el guionista Jean-Claude Carrière sobre \"El fantasma de la libertad\" y \"Ese oscuro objeto del deseo\".\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eEntrevistas de archivo sobre las tres películas con Carrière; los actores Stéphane Audran, Muni, Michel Piccoli y Fernando Rey; y otros colaboradores clave.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eDocumental de 1985 sobre el productor Serge Silberman, quien trabajó con Buñuel en cinco de sus siete películas finales.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAnálisis de \"El fantasma de la libertad\" de 2017 por el académico de cine Peter William Evans.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e“Lady Doubles\", un documental de 2017 con las actrices Carole Bouquet y Ángela Molina, quienes comparten el papel de Conchita en \"Ese oscuro objeto del deseo\".\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003e“Portrait of an Impatient Filmmaker, Luis Buñuel”, un documental de 2012 con el director de fotografía Edmond Richard y el asistente de dirección Pierre Lary.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eFragmentos de la película muda de 1929 de Jacques de Baroncelli \"La femme et le pantin\", una adaptación de la novela homónima de Pierre Louÿs de 1898, en la que también se basa \"Ese oscuro objeto del deseo\".\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eBanda sonora alternativa en inglés para \"Ese oscuro objeto del deseo\".\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eAvances.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNuevas traducciones de subtítulos al inglés.\u003c\/li\u003e\n\u003cli class=\"p1\"\u003eMÁS: Ensayos del crítico Adrian Martin y el novelista y crítico Gary Indiana, junto con entrevistas a Buñuel realizadas por los críticos José de la Colina y Tomás Pérez Turrent.\u003c\/li\u003e\n\u003cli\u003eNuevo diseño de Eric Skillman, basado en la obra original del póster de René Ferracci.\u003c\/li\u003e\n\u003c\/ul\u003e","brand":"Luis Buñuel","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":44055778689158,"sku":"CRT-132-THREEF","price":1395.0,"currency_code":"MXN","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/files\/1.-ThreeFilmsByBunuel.jpg?v=1781058437"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0668\/7336\/0518\/collections\/1.-ThreeFilmsByBunuel.jpg?v=1782075169","url":"https:\/\/tienda.cienegacine.com\/collections\/box-sets.oembed","provider":"Ciénega Shop","version":"1.0","type":"link"}